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Pixar y sus cinco emociones

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Del Revés (Inside Out) finalmente llega a cartelera, siendo este el trabajo más reciente de Pixar Animation Studios

La película dirigida por Pete Docter narra la historia de Riley, una niña de 11 años, y las cinco emociones que viven en su mente (Alegría, Tristeza, Temor, Desagrado y Furia) quienes se han instalado allí con el transcurso del tiempo desde que Riley era tan solo una recién nacida. 

Con quince producciones en su haber, muchos hablan ya sobre  ‘Del Revés’ como  una de las historias más originales que nos ha regalado el estudio de animación, en donde nos expone de manera inteligente cómo funcionan estas emociones ante las situaciones que va experimentando la niña protagonista.

Pero, ¿qué hay de las emociones dentro de Pixar? ¿Hemos podido conocerlas a lo largo de estos años? 

Como preámbulo al estreno de ‘Del Revés’ te traemos cinco personajes, pertenecientes a trabajos previos de Pixar, que muy bien representan cada una de las emociones protagonistas del trabajo venidero de la compañía.

Desagrado – Edna Mode (Los Increíbles, 2004)

Edna Mode (o Edna Moda) es un personaje secundario de Los Increíbles, petulante diseñadora de modas encargada de crear los trajes especiales para la familia Increíble, debido a que su verdadera pasión es “diseñar para dioses” porque no le interesa crear nada para ‘supermodelos’ (“¡Súper! De súper no tienen nada” diría la mismísima Edna) o como también suele llamarles ‘palos con labios hinchados’  exponiendo el desagrado hacia estas y lo repugnante que suele ser para ella viajar a Milán. Y no olvidemos su completo desprecio por las capas.

Temor – Rex (Toy Story, 1995)

Rex podría ser uno de los personajes más encantadores no solo de Toy Story, sino de todo Pixar, pero sus constantes inseguridades lo hacen ser también el personaje con mástemores. El no sentirse lo suficientemente aterrador, lo lleva a temer que Andy quiera cambiarlo por otro dinosaurio que sí resulte atemorizante. Eso sin mencionar su temor hacia Sid y el ‘Pollo loco de la tele’.

Furia - Carl Fredricksen (Up, 2009)

Los primeros quince minutos de Up nos presentan a Carl Fredricksen, un niño soñador que poco a poco va creciendo, y quien por una dura jugada de la vida termina convirtiéndose en el señor cascarrabias que vemos durante (casi) todo lo que resta de película. Los mismos guionistas de la cinta declararon que  «la idea de que Carl, tras lo sucedido con Ellie, sea un oso molesto que ha sido despertado en plena hibernación» 

Tristeza – Wall-E (Wall-E. 2008)

Wall-E es un entrañable robot compactador de basura que se ha quedado solo en la Tierra, luego de que los habitantes deciden huir de los mismos residuos que ellos han generado. Es allí cuando aparece EVA, otra robot, para darle alegría a Wall-E. Pero no todo fue así, antes de EVA, la inminente soledad de Wall-E lo había trasformado en un triste y sensible robot que seguía haciendo su labor a pesar de que no había nadie quien se lo agradeciera, que solía tomar recuerdos de entre los desperdicios junto a su única compañera: una cucaracha.

Alegría – Dory (Buscando a Nemo, 2003)

¿Quién dice que una limitación es impedimento para ser feliz? Dory es una encantadora pez cirujano azul, quien sufre de amnesia anterógrada, reduciendo así las funciones de su memoria a tener solo recuerdos de corto plazo. Pero eso no es un obstáculo para ser optimista, graciosa, hiperactiva y sobre todo alguien llena de alegría, incluso en los momentos más complicados.




Crítica: Ant-Man (2015), de Peyton Reed

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Primero fue Antz, después Bichos y ahora Ant-Man.

El viernes se estrenará en nuestro país Ant-Man, la nueva película de Marvel dirigida por Peyton Reed y basada en el cómic del mismo nombre. Ant-Man está basada en la historia del científico Hank Pym (Michael Douglas), cuyo sueño consiste en, a través de una serie de experimentos, modificar el tamaño de los objetos hasta el de un insecto con el fin de salvar el mundo. Sin embargo, muchos querrán valerse de esa excusa para crear un arma mortal y destruir el planeta. Pym y su hija Hope (Evangeline Lilly) reclutarán a Scott (Paul Rudd), un vivaz ladronzuelo, quien se enfundará en el traje de Ant-Man para evitar que el universo sucumba en manos equivocadas. 




A veces, ir con pocas expectativas a visionar un proyecto cinematográfico puede ser de gran ayuda. Esta técnica, sin lugar a dudas, me ha facilitado que hoy viese Ant-Man con otros ojos. Ya era consciente de que el pequeño hombre hormiga no iba a estar a la altura de otras entregas cinematográficas de Marvel, sin embargo, bajo mi punto de vista, ésta ha conseguido superar con creces a Era de Ultrón. Aunque tampoco es que fuese algo muy difícil. 

Independientemente de haber disfrutado de un estreno relajado en Estados Unidos, Ant-Man no decepciona. Es más, es una de esas películas de las cuales no esperas nada y luego te lo ofrecen todo de manera muy sutil. Un proyecto entretenido, divertido y mágico. Ant-Man puede que no sea Iron Man o Los Vengadores, pero su deliciosa y sencilla esencia hace que ignoremos ciertas partes que se muestran un poco más tediosas a medida de que el filme avanza. 

De nuevo, recalcar la sencillez del proyecto, pues es lo más significativo. Un reparto no demasiado destacable, una BSO que da gusto escuchar, unos efectos especiales de sobresaliente -sin llegar a desentonar-, y una trama más que aceptable. Por supuesto, a esto hay que sumarle unos fascinantes cameos y dos escenas post-créditos fabulosas. 



Sin duda alguna, Ant-Man es el perfecto ejemplo de 'segundas oportunidades'. No siempre es necesario tener que apoyarse en los grandes fandom para ganarse el sustento. Los pequeños detalles también cuentan. Puede que Ant-Man no sea un superhéroe tan conocido como Thor o Capitán América, pero éste, entre su sencillez y simplicidad, hace que el público al final le coja cariño. 

Una película que está a la altura y confirma el dicho de que 'a veces más no es la solución' o el de que 'calidad es mejor que cantidad'. En efecto, agradezco a Marvel el hecho de que se hayan 'relajado' y no hayan incluido tanta 'parafernalia' en este filme, pues ha llegado un momento en el que hasta los más fan del mundo de los superhéroes hemos salido escarmentados y saturados de tanta destrucción masiva y sin sentido. Ant-Man no tiene ni la mitad de escenas acción que otras entregas de superhéroes, no obstante, las pocas secuencias que ésta posee son increíblemente superiores a dichos filmes, así como de una calidad exquisita. Por tanto, es imposible salir decepcionado de la sala. 




En definitiva, no comparéis Ant-Man con ninguna otra película del universo Marvel, ya que lo único que conseguiréis es decepcionaros. Intentad ver este proyecto como algo sutil, sencillo, entretenido, independiente, divertido y sobre todo interesante. Ant-Man liga con futuras entregas cinematográficas y estoy segura de que sus futuras apariciones en otros filmes irán en aumento y hará que nos enamoremos aún más de este superhéroe que, a simple vista, pasa desapercibido, pero, en el fondo, es alguien lo suficientemente grande como para estar a la altura de cualquier otro vengador que adoremos hasta la fecha. 

Ant-Man tiene futuro. Ant-Man es el futuro. 

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1. LO MEJOR: todo (quitando lo mencionado en el siguiente apartado). 

A destacar:

- Las interpretaciones de Lilly, Rudd y Douglas
- Los grandes cameos 
- Las escenas de lucha y de las hormigas 

2. LO PEOR:

- Que no se le de tanta importancia a Ant-Man como superhéroe 
- A veces su sencillez hace que ciertas partes del filme resulten tediosas de ver
- Pecar de usar la misma estructura temática en todas las películas de superhéroes

NOTA: 8/10

BONUS:

¿En 3D? ¿si o no? No soy gran fan de este formato. Es más, lo que proyectan hoy en día no se le puede llamar así, sino, más bien, 'profundidad'. No obstante, reconozco que ver Ant-Man en 3D no me ha disgustado tanto como creía y he visto otros proyectos con un 3D de peor calidad. Así que digamos que si recomendaría verla en 3D. Sobre todo por las escenas de acción y peleas con las hormigas, entre otras cosas. 

¿Escenas post-créditos? Si, la película consta de 2 escenas post-créditos al final de la película, las cuales son fascinantes. Una está en mitad de los créditos y la otra al final del todo. 

No digo más. 

Id a verla y juzgad por vosotros mismos. 

Yo solo deseo que os guste tanto como a mi :).

‘Sex&Drugs&Rock&Roll’, los viejos rockeros nunca mueren

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Hoy voy hablar del piloto de la nueva apuesta veraniega del canal FX, ‘Sex&Drugs&Rock&Roll. Esta parodia sobre el mundo de los grupos de rock está protagonizada y escrita por el cómico Dennis Leary (‘Rescue Me’); y tendrá un primera temporada de diez episodios.

El protagonista es Johnny Rock (Dennis Leary), ex líder de The Heathens, una banda que nació en plenos años 90. La extravagante vida -incluso se acuesta con las novias de los compañeros- de Johnny hace mil añicos el grupo tras la salida al mercado del primer álbum. Un cuarto de siglo después la vida de este es totalmente diferente: una vieja gloria del rock and roll totalmente olvidada. Todo cambiará con la aparición de una persona que no espera: su hija.




Tras el visionado del primer episodio me deja la sensación de que va a mezclar y parodiar los tópicos de la vida antigua rockera junto con los más actuales. La serie a priori me ha parecido que tiene un enorme potencial porque navegaremos entre bambalinas de la industria musical; ya que la hija de Johnny Rock, Gigi (Elizabeth Gillies), quiere llegar a ser una cantante famosa. Por lo tanto, la ficción tratará temas muy diversos: los fans, el olvido de las viejas glorias, cómo triunfar en la música, la vida de las nuevas estrellas, etc. Además en el piloto no se cortan y usan referencias reales, lo que puede llegar a ser aún más divertido.



A Dennis Leary le acompañará el siguiente reparto: John Corbett, Elaine Hendrix, Robert Kelly, John Ales o Josh Pais entre otros.

En conclusión, un piloto muy agradable que me ha convencido para continuar con ella. Además, que en el título de una serie tenga las palabras: sexo, drogas y Rock and Roll no puede ser algo malo.



Especial: Robin Williams. El largo viaje entre risas y lágrimas

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Hay actores que congenian con el público y el público con ellos, ya sea por su talento, por lo carismáticos que son en pantalla o simplemente porque dieron vida a algún personaje que hasta hoy seguimos recordando, pero ¿qué hay de Robin Williams? El actor originario de Chicago, rompió cualquier barrera entre el artista y el público, afirmando hoy que, tal vez no exista una generación que no haya disfrutado de alguna de sus películas o que no le siga admirando y es que Williams pasó de ser un gran actor a un gran actor que hoy vive en la memoria colectiva no solo de su país de origen sino del mundo.

La fama, y lo más importante, el cariño que le regaló el público, generación tras generación se debe a la valentía y entrega de Williams como artista. Un actor que no se limitó a un género, no se limitó a un mismo registro interpretativo, no solo fue el rostro de una década como les sucede a muchos actores. Su nombre saltó a la palestra con Mork & Mindy, interpretando a Mork, un extraterrestre recién llagado a la Tierra, que además sería el vehículo para conseguir su primer Globo de Oro. Desde entonces, se paseó por infinidades de géneros, comedias dramáticas como Buenos Días, Vietnan; películas de aventuras dirigidas al público infantil como  Hook: El capitán Garfio y Jumanji; comedias familiares al mejor estilo de Señora Doubtfire, papá de por vida; dramas como El club de los poetas muertos o El indomable Will Hunting; o simplemente con su voz conquistó a millones de niños (y también adultos) en trabajos como Aladdin y Happy Feet. Ya sea con risas o lágrimas, siempre nos regaló gratos momentos con tantos personajes difíciles de olvidar.

Hoy, Robin Williams estaría de cumpleaños y queremos celebrarlo. Pudiésemos repasar toda su filmografía, pero es demasiado extensa, así que nos quedamos con siete personajes, específicamente siete escenas, que nos recuerdan porque fue, es y será uno de los actores más aplaudidos (y queridos) en todo el mundo.

1987. Adrian Cronauer - Buenos días, Vietnam (Good Morning, Vietnam) 

En plena Guerra en Vietnam, un DJ (Cronauer) es enviado a dicho país para entretener a los soldados desplegados por el territorio. Perfectamente podría ser la premisa de un dramón hollywoodense, pero estamos hablando de Buenos días, Vietnam, dramedia protagonizada por Williams quien le dio vida al DJ. Su trabajo no solo era alegrar los días a los soldados, también darle al espectador un par de horas de diversión. Aquellos memorables monólogos eran en su mayoría improvisados por el actor.


1989. John Keating – El Club de los Poetas Muertos (Dead Poets Society) 

Todos los que hemos visto El Club de los Poetas Muertos, podemos coincidir en que John Keating es uno de los profesores en el cine más entrañables de todos los tiempos. Esto tal vez es porque en él  vemos ese educador que rompe el molde, que sus métodos de enseñanzas van más allá de la monotonía aburrida a la que recurren sus colegas, que no disfruta ver sufrir a sus alumnos, al contrario, se hace amigos de ellos.  John Keating, no es más que el retrato de ese ‘profesor favorito’ que muchos corremos con la suerte de tener, sí, de ese que solo se nos presenta una sola vez en años de estudio. Esta maravillosa escena es la representación de lo que significa ser un profesor de verdad ¡que brillante! 


1991. Peter Banning/Peter Pan – Hook: El Capitán Garfio (Hook)

Para 1991, Hook sería la incursión más importante de Williams en el cine dirigido al público infantil (pero a la que el público adulto tampoco pudo resistirse) y no sería la última. A lo largo de los años muchas adaptaciones de Peter Pan han surgido, pero ninguna como esta y es que bajo la dirección de Spielberg, Robin lo hizo de nuevo. Solo un actor como él podría brindar una interpretación tan carismática del niño (esta vez no tan niño) que nunca crece.


1992. Genio – Aladino (Aladdin)

El Genio de Aladino es uno de los mejores personajes animados en la vida, además ¿Quién no lo relaciona con su infancia? Allí, una vez más estaba Robin Williams, no lo vimos en pantalla, pero su voz era suficiente para construir la personalidad del gigante genio azul. Por si fuese poco, el actor colaboró con ciertas ideas para algunas líneas de diálogos.


1993. Daniel Hillard - Señora Doubtfire, papá de por vida (Mrs. Doubtfire)

Actores interpretando personajes femeninos no era una novedad, pero como Williams bajo la piel de la Señora Doubtfire ninguno  y es que antes de ser la conocida señora  de limpieza, primero nos dio a conocer a Daniel Hillard un padre capaz de hacer cualquier cosa (hasta vestirse de señora) para permanecer junto a sus hijos. 


1996. Jack Powell  - Jack (Jack)
Un niño de diez años que físicamente aparenta cuarenta, y a pesar de ello y de las burlas (en un principio) de sus compañeros, él trata de llevar una estadía normal en la escuela, como cualquier otro niño. La película no la recibió muy bien la crítica pero el personaje de Jack aun es recordado por muchos. Un claro ejemplo de ello: el discurso de graduación al final de la cinta.


1997. Sean Maguire - El indomable Will Hunting (Good Will Hunting) 

Todos queríamos vivir en un mundo donde Robin Williams tuvise un Oscar y con El indomable Will Hunting aquello fue posible. En la película dirigida por Gust Van Sant, el actor interpreta a Sean Maguire el singular psicólogo de Will Hunting (protagonista de la historia) y del que luego se convertiría en su amigo y mentor. 


Los personajes icónicos no llegaron hasta allí, en 1998 dio vida a Patch Adams en la comedia dramática del mismo hombre. En el 2002 retomaría el género drama-thriller en Insomnio interpretando nada más y nada menos que a un asesino. En 2006 volvería al trabajo de actor de voz en la primera entrega de Happy Feet como el pingüino Amoroso y ese mismo año estrenaría Una Noche en el Museo donde dio vida a la versión ‘muñeco de cera’ de  Theodore Roosevelt, personaje que repetiría recientemente y una vez más en el 2014. Este año llega Boulevard la que sería hasta el momento el último trabajo de su filmografía. 

Review True Detective 2x04 & 2x05 - 'Down will come'&'Other lives'

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¿Alguien más piensa que se está volviendo loco con la nueva temporada de True Detective? ¿Estáis preocupados porque no entendéis nada de lo que está pasando? Tranquilidad, no sois los únicos. 

Después de cinco semanas, cinco capítulos y solo a tres más para terminar la temporada, los espectadores aún seguimos confusos sobre la trama de True Detective. Seamos honestos: nadieentiende nada en absoluto. Y no, no habéis perdido el juicio. 

Si pensáis que hay algún espectador que haya entendiendo lo que ha pasado desde el principio, estáis muy equivocados. No finjáis, delante de vuestros amigos o de vuestra familia, qué sabéis de qué va la serie, pues ésta es un rompecabezas sin sentido. No hay nada claro. Ni trama ni tono. True Detective se ha convertido, básicamente, en un laberinto sin salida con un club de espectadores de lo más dividido. 





¿Cuándo se ha afeitado Farrell ese bigote tan característico suyo? ¿Es que a nadie le importa? ¿Qué ha pasado con los asesinatos de los primeros episodios? ¿Y con los del cuarto capítulo? En definitiva; tramas abiertas como una puerta que nunca consigue cerrarse. Hasta el espectador y el experto más apasionado por las series de televisión no conseguirá entender lo que está pasando. True Detective se ha vuelto una serie paja lo bastante tediosa como para hacer que no nos importe en absoluto. Una temporada que podían haberse ahorrado y de la que todas las semanas nos resulta eterno ver la hora que dura cada capítulo. Simplemente, se ha hecho algo inaguantable. 

Por más que nos dediquemos a buscar información sobre la serie, ninguna fuente conseguirá resolver nuestras dudas en condiciones, pues, sencillamente, nadie sabe nada sobre nada. Una vez terminado cada episodio, uno intenta indagar más sobre las posibles sub-tramas y misterios que puedan haberse ocasionado, sin embargo, una vez más todo es incierto. 





¿Por qué True Detective carece de sentido? y ¿desde cuándo se ha vuelto una serie tan vulgar y pedante hasta el punto de no entender nada? No sé vosotros, pero un gran giro de tuercas (y de guión) tiene que dar la serie en las próximas semanas o si no me temo que estos visionados habrán sido en vano. Habremos perdido un tiempo precioso en ver una serie que ni nos va ni nos viene. Si, puesta en escena fabulosa, pero ¿de qué sirve eso si no sabemos ni si quiera de qué va la trama? Decepcionante. Una cosa es no comparar las segundas partes con sus predecesoras, pero esta segunda temporada dejó de ser fiel a la primera desde el minuto uno. 

Un misterio que nunca se resuelve, y que ha pasado a formar parte de un segundo plano, y que, a su vez, ha quedado oculto tras las disparatadas vidas personales de sus protagonistas. En efecto, nunca sabremos quién mató al gerente o por qué Farrell se ha afeitado su amado bigote. Lo que si sabemos es que True Detective se ha vuelto un caso alocado sin resolver y ha dejado de ser, sin lugar a dudas, la serie que todos teníamos en un pedestal. 

Sin más dilación, y sacando de lleno mi brutalidad y enfado, expongo las siguientes palabras: como la cosa no cambie estamos jodidos

Eso sí, yo no sé cómo piensan resolver el desastre de estas cinco últimas semanas en solo tres que les quedan. Estoy segura de que Pizzolatto está muy a gusto en su casa riéndose en nuestras caras.

La valoración es por poner algo (y ya es mucho):



Review Halt and Catch Fire 2x08 “Limbo"

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Mientras veía el capítulo de Halt and Catch Fire de esta semana pensaba ¿qué ha pasado con los grandes momentos a los que nos tienen acostumbrados? Se habían guardado lo mejor para el final, ha sido muy sugerente.

A partir de ahora, Spoiler.

Cameron y Donna han organizado una gran fiesta para homenajear a los clientes de Mutiny
Gordon comienza a tener cambios de humor, agresividad y alucinaciones. Joe se casa y deja su trabajo para irse con su esposa a California. Y eso es todo, podía dar por terminada la reseña de esta semana. 


Pero lo mejor estaba reservado para el final. El episodio termina con una gran idea de Cameron que se ve reflejada en su mirada, termina con el destello de genialidad de una visionaria.
Creo que esa idea, tal y como se han ido relatado los acontecimientos, tiene que ver con lo que conocemos hoy en día como INTERNET. Esta es la interpretación que yo le doy a los últimos segundos del episodio, previos a un gran giro argumental



Cameron Howe es un personaje complejo. Su personalidad ha evolucionado, no es la misma Cameron de la primera temporada, aunque sigue siendo poco sociable y perfeccionista. Su caótico carácter se ve reflejado, especialmente, en la música que le gusta. En la web de AMC tenemos una “playlistcon las canciones que escucha, a todo volumen, con sus “cascos”. Bandas como The cure, Meat Puppets o The Clash
Punk del bueno que a ella le ayuda a aislarse del mundo y a nosotros a conocerla mejor. Algunas de las canciones que aparecen en su playlist son Saturday Night de The cure, Split Myself in Twov de Meat Puppets o The Magnificent Seven de los The Clash, de esta última os dejo un vídeo. 



Por último una buena noticia. “The Emmy nominated opening titles for Halt and Catch Fire”. La serie estará presente en los Emmy, aunque sea con esta modesta nominación. Creo que merecía algo más.






3er Aniversario: Editorial

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Hoy 'Los Lunes Seriéfilos' estamos de celebración, cumplimos 3 añitos. Para celebrar esta fecha tan señalada os hemos preparado una serie de especiales donde el número 3 va a ser el protagonista, esperemos que los disfrutéis.

¡Como pasa el tiempo! Nacimos con el caloret del verano de 2012, siendo un pequeño sitio de encuentro para todos los aficionados del cine y la series; y fíjate en lo que nos hemos convertido. Hemos cambiado tanto por fuera, pasando de tener un formato blog al tipo web que actualmente veis; como por dentro, siendo muchos los editores que se han ido sucediendo. Queremos agradecer a todos los editores su trabajo para Los Lunes Seriéfilos: tanto a los que actualmente formáis parte del staff como a los que a no, esperando que hayáis disfrutado de esta gran familia.

También con el paso del tiempo hemos ido teniendo diversos contenidos: desde nuestra sección de humor 'Ríete del lunes', que buscaba empezar con una sonrisa la semana; a 'Camino al Oscar', que os trae todo sobre la lucha por la dorada estatuilla. Y cómo no, os hemos traído las reviews de las mejores series, las noticias más interesantes y las críticas de todos los estrenos; aunque siempre intentado traer nuevas secciones cada año.

Desde aquí queremos agradecer a todas las empresas que en estos 3 años han colaborado con nosotros, invitándonos a toda clase de eventos, contando con nosotros para la presentación de sus nuevos contenidos o proporcionándonos materiales para los sorteos. Igualmente agradecer a los premios 20 Blogs por su galardón en el año 2013.

Pero nuestro mayor agradecimiento va para ti, si el que esta ahora al otro lado de la pantalla leyendo este breve editorial. Sin ti, nada de esto hubiera sido posible. Sin vosotros, este sueño de verano que fue 'Los Lunes Seriefilos' no seguiría en pie. Gracias a vuestra fidelidad, apoyo y comentarios, nos habéis hecho crecer estos tres años. 

Terminar diciendo que nuestro mayor deseo es celebrar el año que viene con todos vosotros el cuarto aniversario.


¡Larga vida a la cultura, al cine y a las series!

3er Aniversario: Tres personajes raro/atractivos

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No son guapos, son ATRACTIVOS. Así, en mayúsculas y con todas las letras. 
Seguro que sabes de lo que te estoy hablando. Hay personajes de televisión que mueven masas de fans y no son especialmente guapos, pero una agrupación de cualidades hacen de su personaje alguien muy atractivo. 
Gracias al tercer aniversario del blog y dentro de esta semana especial de artículos de “Tres…” os traigo (mi) top tres definitivo de personajes raros/atractivos. 

3. Hannibal Lecter – Mads Mikkelsen


El Hannibal de Mikkelsen eleva esto que estoy contando a la enésima potencia. No, no es guapo, pero ese acento, esos trajes, ¡Y ESOS PÓMULOS! (¡esos pómulos!) me vuelven loca. En conjunto, el personaje es uno de esos villanos (casi mejor psicópatas) carismáticos a los que coges cariño. Hannibal lleno de sangre caminado por las calles de Florencia amaneciendo. Yo debo estar muy mal de lo mío, pero madre mía, que señor, que sexy, que todo. 

               


2. Sherlock Holmes – Benedict Cumberbatch

Unos ojos a ratos azules a ratos verdes, la voz más sexy del mundo y los pómulos (definitivamente tengo una obsesión con los pómulos) más ideales que puedas encontrarte. El físico estrambótico de Cumberbatch unido a la personalidad excéntrica del mismísimo Sherlock Holmes hacen que una legión de fans, las denominadas “Cumberbitches” tengan a este hombre en un pedestal. Redefiniendo el término atractivo, con el gif que os dejo aquí abajo creo que no hace falta explicar nada más. 

             


1. El Décimo Doctor – David Tennant

Larguirucho, con el mejor pelo que te puedas imaginar, una risa divertida y más labia que otra cosa. Añádele a esto un buen abrigo largo, un traje azul y unas converse, y tendrás a El Doctor (para mi Tennant va a ser forever and always EL Doctor). Da un gusto verle correr y gritar cosas locas. Da un gusto verle poner ojos curiosos y analizar todo con su pequeño destornillador sónico. La interpretación de Tennant como el Doctah nos vuelve a todos locos. Que venga a mi lado y me susurre en la oreja Allons-y. 





(Definitivamente, este es el artículo más fangirl y vergonzoso que he escrito nunca. Y me he contenido, no digo más)


@LifeisBeckett

3er Aniversario: Tres series australianas

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Aprovechando que es el tercer aniversario de la web, os propongo tres series del continente australiano:


En la web, ya hablamos de ella aquí.

Sinopsis.La serie cuenta las historias de seis familias que viven en el mismo vecindario, cuya vida se ve alterada por un suceso aparentemente insignificante. (FILMAFFINITY) 




En la web, ya hablamos de ella aquí.

Sinopsis. En medio de la estepa australiana dos jóvenes aborígenes conducen un coche, de repente un camión se cruza en su camino sufriendo un grave accidente. Pero algo no está bien, uno de los jóvenes tiene que huir de la escena abandonando a su compañera en estado muy grave. Este suceso intenta ser tapado por las altas esferas, ya que detrás de ello parece estar un importante proyecto secreto.





Excelente miniserie australiana que recomiendo encarecidamente su visionado.

Sinopsis. La serie explora lo que sucede cuando un hombre abofetea a un niño de otra pareja, en la barbacoa en un barrio residencial. Cada episodio está basado en el punto de vista de un adulto que asistió a la barbacoa. (FILMAFFINITY)


3er Aniversario: Tres películas y una guerra: Una aproximación muda a la I Guerra Mundial.

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Con el centenario de la I Guerra Mundial todavía reciente, desde Los Lunes Seriéfilos queremos destacar tres películas que, desde diferentes prismas pero con la característica común del cine mudo, nos acercan cómo se vivió el conflicto en los años posteriores a su estallido. 


Alas de William A. Wellman ha pasado a la historia por ser la primera película que obtuvo el Oscar a mejor película en el año 1928. Más allá de este dato de cinéfilos y jugadores de trivial, Alas es un estupendo ejercicio narrativo, partiendo desde un tono cómico y costumbrista,  de la contienda bélica donde priman las representaciones heroicas y de la amistad de los combatientes, casi mostradas como clichés en algunas secuencias,  mezcladas con detalles patrióticos que son casi obligatorios en películas de este estilo y época. 

El visionado actual de esta película de, quizá, demasiada duración, más de dos horas, adquiere un mayor interés si se centra en su alto valor documental que el mero valor narrativo, pero aun así, acercarse a una obra como la que nos presenta Wellman debería ser muy útil para cualquier aficionado al cine y a la Historia. 



Resulta complicado a estas alturas escribir o hablar sobre Charles Chaplin: existen un sinfín de obras y autores que han estudiado hasta el mínimo detalle de su obra y milagros. Autor de algunas de la más grandes obras del cine, incluyendo El Gran Dictador o Tiempos Modernos, obras que han transcendido más allá del cine, en 1918 presentó Armas al hombro, comedia en la que consigue, como es habitual es su obra, presentar un tema complejo, la I Guerra Mundial en este caso, con un toque ameno y gracioso pero sin perder la perspectiva de la importancia de los acontecimientos narrados. Y es que en esta cinta antibelicista se tratan todos los valores bélicos desde el punto de vista del gag más puro y duro con el sello de Chaplin, mezclando esa sensación de ternura y patetismo con unos toques de cinismo y mala leche por los cuales parece que no ha pasado el tiempo. 

 Aunque quizá no tenga la fama de otras obras del genio, Armas al hombro es un deliciosa película, con un final quizá algo flojo, pero que sin duda cumple con su obligación de entretener y divulgar. 



El gran desfile pertenece a esa serie de películas que podrías formar parte de la lista de grandes obras del género bélico. La obra de King Vidor supo mostrar como pocas todo la crudeza del conflicto y lo hizo con una historia de amor como punto partida. Destaca sobre todo la segunda parte del metraje, donde las escenas puramente bélicas están rodadas de manera magistral y, aunque pueda parecer una contradicción en una película muda, utiliza de manera única el tempo musical para darle a la colección de preciosas imágenes un empaque que hacen de El gran desfile un magestuoso ejercicio de pacifismo cinematográfico. 


Enrique Sánchez Zapatero. 

@Gemelord


3er Aniversario: Los 3 mejores repartos

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Mejor actriz principal… Mejor actor secundario… Mejor serie dramática… Muchos son los premios que reconocen el valor del trabajo individual de los artistas, pero muy pocos reconocen el poder interpretativo del conjunto del reparto. La elección del elenco que interpretará a los personajes es una tarea delicada pues marcará el tono de la serie y la afinidad e identificación que el público pueda tener con la misma.
Los Lunes Seriéfilos cumple tres años y lo celebramos con estos tres magníficos repartos:

Orange Is The New Black: Este es posiblemente, el reparto más ecléctico y heterogéneo de la historia de la televisión. Todas las etnias, orientaciones sexuales y creencias se mezclan para pintar un cuadro admirable durante horas. Homosexualidad, transexualidad, cristianismo, judaísmo, Sur de Texas, Norte de Nueva York… todo cabe dentro de Litchfield para transmitir las importantes ideas y conflictos que afligen a la sociedad del siglo XXI. Las increíbles actrices y mujeres que conforman este reparto ya obtuvieron su merecido Emmy en 2014 y sin duda lo volverán a hacer en 2015.



Friends: ¿Friends hizo a los actores o los actores hicieron a Friends? Jennifer Aniston, Lisa Kudrow,  Matt LeBlanc y compañía eran prácticamente desconocidos cuando la fama les llegó allá por 1994. Al terminar la serie en 2004 eran los actores televisivos más conocidos mundialmente. Nadie puede ya imaginarse a otra Phoebe imitando a una paloma, o a otro Ross tocando la gaita. A medida que la serie avanzaba, los actores ganaron en confianza e hicieron grandes a los personajes y éstos, a su vez, se hicieron más definidos y extremos hasta convertirse en el mito al que todos rendimos culto hoy en día.


Downton Abbey: La elegancia y la contención cogen forma. Un reparto muy británico que reúne lo mejor de la campiña iglesia. Bajo la tutela de la inimitable Maggie Smith y del muy experimentado Hugh Bonneville el reparto da vida a toda una familia y un pueblo. Downton Abbey no sólo nos traslada al comienzo del siglo XX con su ambientación y vestuario, sino también con la magnífica interpretación de los actores. La seriedad, la formalidad y los deseos reprimidos marcan el tono, raramente interrumpido por momentos cómicos o románticos. Uno de los rasgos que pasan más desapercibidos en la serie de la ITV es que la interpretación avanza con la época y por lo tanto la Mary de 1912 no es la misma que la de 1923. Los tiempos cambian y los personajes también.


Estos son algunos de los mejores repartos… ¿Cuál es el tuyo?

3er Aniversario: Tres heroínas televisivas

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Seguimos con nuestras entradas especiales en conmemoración de nuestro tercer aniversario, esta vez recalcando tres heroínas:


Octavia Blake


Desde su nacimiento tenía marcado un trágico futuro, pero gracias a su hermano y su madre pudo sobrevivir a su destino. Tras ser enviada a la tierra junto con 100 jóvenes más, se ha convertido, sin lugar a dudas, en una de las mejores supervivientes de la serie 'The 100'. Es belleza, pero que no os confunda, es la que mejor se ha adaptado al nuevo mundo; donde sus habilidades se han refinado convirtiéndose en una auténtica guerrera. Tiene un carácter fuerte y aguerrido que la ha ascendido junto con Clarke en una de las líderes más fuertes de los cien. Su evolución en estas dos temporadas ha sido espectacular y, ha dado como resultado en un personaje femenino a seguir.


Olivia Dunham


Hace ya algo más de dos años que nos abandonó 'Fringe', fue quizás uno de los momentos televisivos de estos años; pero nos dejó en el recuerdo a Olivia Dunham uno de los personajes femeninos con el que más he empatizado. Durante cinco temporada esta joven y fuerte agente especial del FBI nos ha emocionado en cada capítulo, mientras intentaba esclarecer los diferentes sucesos paranormales. Ver a ella junto a los dos Bishop ha sido una de las razones para perdonar los diferentes errores que la serie ha tenido durante alguna de sus fases. La hemos visto sufrir, llorar, amar, luchar o correr, etc. pero sin dejar de lago que Olivia es una mujer dura y sensible que nos ha hecho llorar delante de la pantalla. Para mí, una de las heroínas imprescindibles de la televisión moderna.


Starbuck


Su nombre es Kara Thrace pero es más conocida como Starbuck. Es una de las protagonistas de una de las series más importantes de ciencia ficción, 'Battlestar Galactica'. Ella es inigualable y única, es la mejor piloto de Viper que posee la nave de combate 'Galáctica'. Pura energía, es irreverente y rebelde pero dentro de ella guarda un espíritu y corazón terriblemente grandes. Se convierte en un personaje imprescindible para la supervivencia de la humana. Estas son alguna de sus características pero que claro, para mi, que es uno de los personajes más complejos de la ficción.

3er Aniversario: Tres escenas de sexo en cine

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Seguimos conmemorando el aniversario de nuestro blog con 3 escenas de sexo que hemos visto en pantalla que por un motivo otro merecen una mención especial, ya sean por lo explícito de sus imágenes por la polémica que las envolvió o porque no conseguimos sacarlas de nuestra mente por lo rocambolesco de la situación.

3. “Showgirls”, sexo en la piscina.


La escena en la que Elizabeth Berkley y Kyle MacLachlan tienen sexo en la piscina quedara para siempre en la retina de todos los que hemos visto “Showgirls” de Paul Verhoeven quizá la escena más que erótica puede resultar terrorífica en algunos momentos, pero ahí reside su encanto, no puede faltar en una lista de escenas de sexo que se precie.

2. “El último tango en París”, mejor con mantequilla.


En la película de Bernardo Bertolucci, Marlon Brando penetra a María Schneider sirviéndose de mantequilla a modo de lubricante, una de las cosas que hicieron famosa esta escena fue quizás la polémica que la rodeo cuando la actriz confesó que no tenía ni idea de lo que el director y Brando se traían entre manos y que ambos la obligaron a hacer la escena en la que el actor prácticamente la violó, la joven contaba con tan solo 19 años.

1. “La vida de Adele”, pasión entre mujeres.


La escena de sexo que más ha dado que hablar en los últimos años es sin duda la que protagonizan Adele Exarchopoulos y Léa Seydoux en “La vida de Adele” de Abdellatif Kechiche, quizás una de las escenas sexuales de mayor duración que hemos visto, criticada por muchos lo que está claro es que desprende la pasión que sienten estas dos mujeres la una por la otra, algo que quizás solo sentimos con el primer amor…


3er Aniversario: Tres películas para ver un día de “ciego” con los amigos

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Existen muchos tipos de películas marcándote cada una de manera diferente ya sea por lo buena que es, porque ha despertado sentimientos y reflexiones en tí o por lo malísima o pesada que es. Pues en esta entrada voy a hablaros de algo muy común pero difícil de encontrar, películas que resulten divertidas para ver con amigos en estados de embriaguez u otro estado similar. Hay películas que son divertidas para ver con los amigos ya sea las Scary Movie, La vida de Brian o los caballeros de la mesa cuadrada, unos clásicos pero también existen otras que mucha gente desconoce:


1 KUNG FURY (2015)

Kung Fury es un cortometraje sueco de comedia escrito, dirigido y protagonizando por David Sandberg. Considerandose como un homenaje a las películas de artes marciales, policiacas de acción en un ambiente ochentero. La película trata sobre un detective del Departamento de Policía de Miami-Dade Kung (Kung fury) es golpeado por un relámpago y mordido por un cobra a la vez, lo que le da extraordinarios poderes de kung fu para luchar contras las fuerzas del mal contra el Kung Fürer, un Adolf Hitler experto en artes marciales por lo que deberá de viajar al pasado en su busca y salvar el mundo. La película tiene dinosaurios, vikingos, dioses y la interpretación de David Hasselhoff como cantante en su banda sonora.


2 SHARKNADO (2013)

Sharknado es una película emitida por primera vez por el canal Syfy, dirigido por Anthony C. Ferrante. La película trata sobre el azote de un gran huracán en Los Ángeles, con la particularidad de que los tornados escupen tiburones antropófagos. Por lo que un hombre toma las riendas de intentar salvar la ciudad Fin (Ian Ziering), un surfista y propietario de un bar en el muelle de Santa Monica. En resumen, tiburones por los aires con unos efectos de bajo presupuesto y muchas peleas épicas.


3 OVEJAS ASESINAS (2006)

Ovejas Asesinas es una película neozelandesa del género comedia y terror dirigida por Jonathan King. En una granja de Nueva Zelanda un científico está realizando mutaciones a las ovejas para crear la "oveja perfecta" pero su plan se trunca cuando un grupo de activistas pro animales deja en libertad a un cordero mutante produciéndose así, el contagio de miles de ovejas asesinas cuyo objetivo es acabar con la raza humana. La película es divertida porque lleva el tema de las ovejas asesinas de una forma seria hasta el final con toques de comedia.

3er Aniversario: Tres héroes (reales) llevados a la gran pantalla

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Parece que Hollywood se ha tomado la tarea en las últimas dos décadas de producir películas de cuanto superhéroe se les cruce por el camino y por consiguiente no hay verano donde no acaben aterrizando en taquilla y originando así millones de dólares en todo el mundo. Y si digo ‘aterrizan’ es con toda la intensión porque en su mayoría vuelan o saltan o corren como ningún mortal lo haría. Marvel o DC Comics los ven nacer, Hollywood los adopta, busca un actor tan guapo que resulte imposible lucir ridículo en trajes ajustados y listo. Y sí que es genial ir al cine y disfrutar dos horas y poco más de mucha acción, explosiones, persecuciones y ver al chico guapo salvar el mundo, después que Nueva York quedé destrozada (porque Nueva York parece ser el sitio favorito de los villanos) pero poco a poco ese es el concepto que asociamos en nuestra cabeza cuando escuchamos la palabra ‘héroe’.

Sin embargo hay otros personajes que sí son de carne y hueso, nacieron en algún sitio remoto del mundo y a lo mejor no arriesgaron su vida en edificios ardiendo, ni siquiera pueden volar, ni tienen poderes sobrehumanos; pero si hicieron algo que pudo haber salvado vidas o ayudado a muchas personas o simplemente hicieron del mundo un lugar mejor. Estos héroes de la vida real existieron y sus historias son tan inspiradoras que Hollywood decide tomarlas, contratar a estrellas guapas (eso siempre funciona) ¡y está hecho! Por ello he decidido reivindicar a tres de ellos, más allá del resultado de la película, todo va sobre los personajes. Tres hombres que sin traje y capa igual podemos decirle "Héroes de la vida real"


Oskar Schindler — La lista de Schindler, 1993.

Un industrial de origen checo que salvó la vida de aproximadamente mil doscientos judíos en plena Segunda Guerra Mundial, ese fue Oskar Schindler. Se conoce que fue un hombre vanidoso y fiestero que rápidamente ascendió en la clase acomodada de la época, pero con el tiempo y viendo el injusto trato a los judíos, este decide ayudarles. En 1943 se construyó en Cracovia un campo de concentración, tiempo en el que Schindler fingía simpatizar con el movimiento nazi para así convencer a los jerarcas de dicho movimiento, de conservar a los prisioneros como trabajadores de su fábrica. Una vez que lo consiguió, el siguiente paso fue sobornar a los comandantes de mayor rango para trasladar a estos mismos judíos a Checoslovaquia y a no a los campos de concentración donde serían aniquilados. Estos sobornos fueron pagados con las mismas ganancias que originaba su fábrica. De este modo surge la, ahora famosa, lista de Schindler que contiene los más de mil nombres de aquellos judíos que lograron sobrevivir. 

Tristemente la vida no trató tan bien a Oskar Schindler, cuando la Guerra terminó este trató de iniciar otros negocios, pero ninguno dio resultado. Murió prácticamente en la quiebra y arruinado.


Hunter  "Patch" Adams— Patch Adams, 1998.

Mucho se habla de Hunter Adams como el padre de la risoterapia. Pero antes de que se hiciera acreedor de dicho título, este tuvo que pasar por varios momentos amargos en su vida, momento en los que cuestionó el suicidio e incluso a Dios, sin embargo replantea las cosas en su vida y decide seguir adelante. Comienza a ejercer la medicina como ningún otro médico lo había hecho antes “curar puede ser un intercambio de amor y no una transacción económica” son sus propias palabras. Por supuesto que su metodología fue cuestionada en un principio pero no se detuvo para seguir ayudando a quienes lo necesitaban. Pero todo cambia cuando crea el Instituto Gesundheit! donde más personas se encargar de seguir con su labor de propiciarle momentos de risas (como terapia) a pacientes internos en hospitales. 

Por si fuese poco Patch Adams se ha convertido en un conferenciante muy solicitado, y todo el dinero que consigue por las conferencias (unos 11.000 euros), se invierte en labores humanitarias.


Insólitamente hasta hace poco muchas personas no tenían idea de quien era Alan Turing y aunque mucho se hable de The Imitation Game, para bien o para mal, fue gracias a esta películas que comenzó a sonar el nombre del matemático nuevamente. Así es, Turing fue un brillante matemático británico, asocial (según se retrata en el film) pero genio como muy pocos; tanto así que fue el encargado de descifrar el código secreto de los nazis y adelantar el final de la guerra, logrando salvar la vida de millones de personas. Hoy día se le conoce como el pionero de la informática moderna pero para aquel entonces, a pesar de todo lo que consiguió, se le negó el trato de héroe que sin duda merecía puesto que al contrario fue perseguido y sentenciado por ser  homosexual.  Lamentablemente murió tras morder una manzana envenenada con cianuro. Hoy se desconoce si se trató o no de un suicidio.

3er Aniversario: Tres Grandes derrotadas de los Oscar

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Siempre nos acordamos de los grandes ganadores de los Oscar, pero hoy vamos a hacer un pequeño homenaje a esas cintas que no se llevaron un mísero premio de consolación, sí me estoy refiriendo a ¨Babel¨ y su Oscar a la Mejor Banda Sonora.



¨Cadena Perpetua¨ (1994) es todo un clásico del cine dramático y carcelario y, tiene el honor de ser la mejor película de la historia para los usuarios de la web IMDB. En los Oscar logró 7 nominaciones, incluidas Mejor Película, Actor (Morgan Freeman), Guión Adaptado y Banda Sonora. Pero la fuerte competencia de ese año en el que se encontraban cintas míticas como ¨Forrest Gump¨, ¨Pulp Fiction¨ o ¨El rey León¨, provocaron que se fuera completamente de vacío. Eso sí, el paso de los años ha conseguido que se gané un hueco entre las mejores películas de todo los tiempos.



¨Gangs of New York¨ (2002) se plantó en los Oscar con ni más ni menos con 10 candidaturas, siendo la segunda más nominada de su año tras las 13 de ¨Chicago¨. Su principal baza era Martin Scorsese, parecía que por fin la Academia iba a rendir cuentas con el gran autor y le iba a dar el Oscar a Mejor Director. Además, una obra tan colosal como ¨Gangs of New York¨ era la ocasión perfecta. Pero el pobre Marty se fue de vacío y no sólo el, sino también Daniel Day-Lewis, su guión (derrotado por Almodóvar) o la canción compuesta por U2. El Oscar de dirección fue para Polanski por ¨El pianista¨ y película para ¨Chicago¨. Sólo 4 años después la Academia rindió cuentas con Scorsese y le premió por ¨Infiltrados¨, lástima que ganase por esa obra y no por la magnífica ¨Gangs of New York¨.



¨La gran estafa americana¨(2013) se estrenó sólo un años después de su anterior película,¨El lado bueno de las cosas¨ (2012)  que fue la primera en marcarse un Big 4 (nominaciones en las 4 categorías interpretativas) en más de 30 años. ¨La gran estafa Americana¨ logró repetir la hazaña y marcarse otro Big 4, en total sumó 10 candidaturas, siendo junto a ¨Gravity¨ la película más nominada de esa edición. Aunque era casi imposible arrebatarle al dúo ¨Gravity¨ y ¨12 años de esclavitud¨ los principales premios, tenía opciones, especialmente las de ese huracán llamado Jennifer Lawrence que acabó perdiendo contra Lupita Nyong'o (en parte por que JLaw había ganado el año anterior, en parte porque algún Oscar más debía de ganar ¨12 años de esclavitud¨ aparte de película). Además, tenía opciones en Guión Original o Vestuario, pero no fue su noche y el film se fue con una de las mayores derrotas de la historia de los premios.

3er Aniversario: Tres segundas partes que si son buenas

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Continuando con las entradas especiales conmemorando el tercer aniversario del blog, desde los lunes seriéfilos presentamos 3 secuelas que rompen el dicho de “segundas partes nunca fueran buenas”. Aunque se podrían haber citado varios ejemplos más, estas tres cintas son algunos de los casos más conocidos. Son grandes películas que muchos habréis visto y que, como mínimo, igualan la cualidad de su predecesora:



EL PADRINO, PARTE 2

Tras el gran éxito que fue la primera entrega de “El padrino”, basada en la novela de Mario Puzzo (11 nominaciones y 3 premios Oscar en la gala de 1972, incluida mejor película), Paramount no tardó demasiado en proponer la realización de una secuela. Puzzo no lo vió con malos ojos, pero a Francis Ford Coppola no le convencía la idea, y tardó mucho en hacerse con la dirección (para la que llegó a sonar Martin Scorsese), aunque finalmente se puso al frente, con Puzzo y él mismo escribiendo el guión.

Esta segunda parte de “El padrino” nos contaba dos historias superpuestas. Por un lado, veíamos como continuaba la historia de Michael Corleone después de sustituir a su padre como "Don" de la familia. Por otro, se nos contaba la historia de los comienzos de Vito Corleone, que en su versión joven fue interpretada por Robert De Niro. Pese a que yo, personalmente, me sigo quedando con la primera entrega, no hay dudo de que la segunda parte de “El padrino” es una grandísima película. Si, ya no estaba el genial Vito Corleone de Marlon Brando, pero De Niro y Paccino están geniales, y el argumento se ve beneficiado con la alternancia de las historias de padre e hijo. En materia de premios, le fue mejor a la segunda parte, que también contó con 11 nominaciones en la edición de 1974, pero logró 6 estatuillas, incluida, nuevamente, la de mejor película.


EL IMPERIO CONTRAATACA

Cierto es que, si nos guiamos por el orden cronológico, “El imperio contraataca” es la quinta entrega de la saga, pero en aquel momento, “tan solo” era la secuela de “Una nueva esperanza”, y la segunda de lo que hoy se denomina como la trilogía clásica (muy superior a la trilogía de precuelas, pero eso ya es otra historia)

Para quien esto escribe, “El imperio contraataca” es la mejor cinta de la saga (a falta de saber lo que ha hecho Abrams con su “El despertar de la fuerza”), superando a su predecesora. Además de suponer el punto intermedio en el desarrollo argumental de la trilogía, es más madura, oscura, e interesante desde el punto de visto argumental. El desértico Tatooine y la Estrella de la muerte dejan paso al nevado planeta de Hoth, el desolado Dagobah y Bespin, la ciudad de las nubes. Si su predecesora sentó los cimientos de la saga, “El imperio contraataca” los magnifica, tiene mejor desarrollo, y además, cuenta con varios de los momentos más míticos de la saga, como ese potente comienzo en Hoth, las primeras apariciones de Yoda y la marcha imperial, respectivamente, la carbonización de Han Solo o el duelo entre Vader y Luke, con el mítico “Yo soy tu padre”.


EL CABALLERO OSCURO

La tercera cinta de esta entrada va para las cintas de superhéroes, que también se merecen su hueco. Y más si es por películas como la que no los ocupa. La trilogía de Christopher Nolan sobre Batman es uno de los mejores ejemplos a la hora de demostrar que no se debe despreciar a las películas por el simple hecho de adaptar cómics de superhéroes, ya que las tres cintas de la trilogía son, independientemente de que sean o no un buen reflejo del Batman comiquero, tres grandes películas.

Y de esas tres, “El caballero oscuro”, la cinta intermedia es la más destacada y recordada. “Batman Begins” sentó las bases, que ya indicaban lo que Nolan podía hacer con el personaje, pero “El caballero oscuro” las explota, causando que la tercera entrega, aún siendo muy buena, se quedara corta en comparación. Y buena parte de la culpa la tiene el caballero de la foto, un fallecido Heath Ledger que dio una versión diferente del Joker de Jack Nicholson, y que convirtió al personaje en un icono con una interpretación magistral. Pero no solo del Joker vive la película. El resto de actores están entregados y el guión está muy bien construido, haciendo que la historia fluya muy bien en todo momento y sus más de dos horas ni se noten. Lo dicho, una gran película.

3er Aniversario: Tres naves espaciales en las que viajaríamos.

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La exploración y colonización del espacio fue algo muy trabajado en buena parte del siglo XX, tanto en la literatura como en el cine y la televisión. La apertura a lo desconocido, a lo infinito ha dado lugar a grandes historias y al descubrimiento de infinidad de planetas y culturas que no hicieron sino enriquecer la ciencia ficción hasta límites insospechados. Y eso no habría sido posible sin los transportes que llevaban a nuestros personajes, en los que también se construían grandes historias que pasarán a la posteridad. Aunque el interés por esto ha caído y cambiado bastante en los últimos tiempos, el espacio, su silencio y su infinita longitud es parte central de nuestra ficción que ha dejado historias para el recuerdo.

No es fácil elegir solamente tres naves que reflejen todo esto y hay muchísimas más que también nos han sorprendido, pero aquí van mis tres naves preferidas en las que viajaría sin dudarlo.

"Galáctica" (Battlestar Galáctica, 2004-2009)


Tanto la serie original como el remake que tuvimos en 2004 (infinitamente superior) nos presentaba la estrella de combate "Galáctica", la última defensa entre la humanidad y los cylons, robots rebeldes creados para servirnos. Entre sus paredes no solo pudimos ver la guerra y el instinto de supervivencia en estado puro, también pudimos vivir y reflexionar junto a los personajes acerca de la política, la filosofía, la religión, el ejército, el amor, qué significa ser humano y el sentido de la existencia. Es cierto que a bordo de la "Galáctica" nuestra vida sería bastante estresante y con cierto toque de desesperación. Y también es probable que no visitáramos muchos planetas, y menos, planetas habitados y llenos de vida, pero nuestro viaje junto al Comandante Adama y su tripulación en su búsqueda por la Tierra, nos abriría los ojos a cosas que antes ignorábamos, enriqueciéndonos en un viaje memorable. Y quién sabe, quizás nos ayudaría a no cometer los mismos errores que los habitantes de las Colonias. 

"Serenity" (Firefly, 2002)



En el año 2002, cuando aún Joss Whedon no gozaba de la fama que tiene actualmente, estrenó "Firefly", una serie que mezclaba el espacio con el western. Aunque a priori parece una mezcla un poco rara, acabó siendo uno de los mejores proyectos del creador y una serie considerada de culto. Tan solo tuvo 14 episodios y una película a modo de cierre, pero es suficiente para desear perderse con el Capitán Reynolds y su gente por los recónditos rincones del Universo que nos presenta. Además de conocer a los Reaver y a la Alianza, visitaríamos lugares maravillosos con ese toque western mezclado con las culturas China y Occidental que tanto caracterizaban los escenarios de la serie. En cuanto a la serie, solamente duró una temporada aunque con todos los reboots y remakes que hay actualmente, quién sabe si la "Serenity" volverá a vagar por el espacio en un futuro próximo. 

"Discovery 1" (2001: A Space Oddysey, 1968)



Gracias a Arthut C.Clarke y a Stanley Kubrick, pudimos disfrutar de uno de los viajes más apasionantes que hayamos visto nunca. Y quizás, uno de los más realistas, debido a lo cuidado que estaba todo, científicamente hablando. La "Discovery 1" era una nave tripulada por 5 astronautas (con profesiones muy diversas) que tenían la misión de investigar una señal enviada desde la Luna a través de un monolito, en Júpiter (aunque en el libro el destino cambia, la misión es la misma). Además de los tripulantes, a bordo se encontraba HAL 9000, un superordenador que se encargaba de mantener todo en orden. Hasta que no lo mantuvo y comenzó a matar a todos los tripulantes de la nave por miedo a que acabaran con él. Vale, viajar con HAL al mando de la nave quizás no es lo más apetecible, pero la nave, la misión, la representación del espacio y el realismo que empapa todo, sería algo espectacular y digno de ser vivido. Y por si esto fuera poco, Clarke y Kubrick nos dejaron algunas reflexiones sobre la vida, la muerte, el ser humano y la inmensidad de nuestra Galaxia. Un viaje inolvidable. Y con "Así habló Zarathustra"de fondo. ¿Qué más se puede pedir?


Crítica: ¨Los minions¨ (2015), de Kyle Balda y Pierre Coffin

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Tras el enorme éxito que han tenido los minions como secundarios en la saga de Gru mi villano favorito, era sólo cuestión de tiempo que este spin-off viera la luz.

¨Gru: mi villano favorito¨ fue el debut del estudio Illumination Entertainment , siendo una pequeña revelación es su año, aunque quedó un poco en un segundo plano debido a coincidir en ese 2010 con¨Toy Story 3¨, ¨Como entrenar a tu dragón¨ e incluso ¨Enredados¨. Aún así, si algo sobresalió especialmente del film fueron los simpáticos minions, tal es así que se han lanzado muchos cortos con ellos y les ampliaron su papel en la secuela. Pasó algo similar a lo de Scrat (la ardilla de ¨Ice Age¨ ),pero elevado a la máxima potencia.  Realmente, los minions han sido el gran personaje de animación del último lustro, especialmente por la venta de su imagen.

Esta película nace al calor del éxito de estos pequeños personajillos y con la escusa de contarnos el origen los minions. Aunque el punto de partida puede resultar muy interesante y arroja todo un mundo de posibilidades, en la ejecución se queda en nada.


La película no llega a funcionar en ningún momento, intenta crear una historia uniendo sin coherencia ninguna un montón de gags. El hilo conductor de la historia es muy tenue y nos encontramos ante una sucesión de situaciones cómicas, que de manera aislada funcionan muy bien, pero que en conjunto dan sensación de película vacía y al poco tiempo llegan a cansar al espectador. Para intentar cohesionar todo, se recurre a una voz en off que actúa de narrador, aunque el remedio tampoco resulta.

Más allá de un inicio muy bueno en el que vemos la evolución de los minions a través de la historia (aunque desgraciadamente nos lo han reventado todos los trailers), nos encontramos ante una película muy floja. Los minions como alivio cómico en la saga Gru funcionan muy bien, pero han sido incapaces de construirles una película entera con ellos de protagonistas. La película apenas entretiene y solo busca el chiste fácil. Una lástima este planteamiento, porque podría haber salido una propuesta muy atractiva.

En resumen, nos encontramos ante un film dirigido exclusivamente a los más pequeños de la casa, que disfrutaran con los adorables minions, pero que no llega a funcionar como película, siendo poco más que una serie de gags inconexos. Parece que ese factor sorpresa y refrescante que tenía el primer Gru se ha perdido y han querido hacer una película mucho más floja argumentalmente. Eso sí, con todos los trajes diferentes que tienen los minions es perfecta para vender peluches.


Lo mejor: sus primeros minutos

Lo peor: El resto de la película, no tiene guión ninguno.


Verano 'made in Hollywood'

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El Camino de Vuelta (Nat Faxon y Jim Rash, 2013)
Verano es, entre otras cosas, esa época del año en la que las distribuidoras cinematográficas sacan su artillería pesada e inundan las carteleras de todo el mundo con  los famosos blockbusters. Los niños y jóvenes están de vacaciones  y no hay excusas para no ir al cine, además huir del calor por unas cuantas horas sentado en una butaca, con aire acondicionado y disfrutando de unas buenas palomitas suena más que apetecible en estas fechas. 

Irónicamente, cuando el propósito de las grandes productoras es que el verano sea exactamente como acabo de describirlo (de otro modo no estrenarían sus películas dirigidas al gran público en estos meses) en el cine queda reflejado de otra manera. Cuando una película es ambientada en el verano, este parece convertirse en otro personaje de la historia, uno principal, porque mayormente si no fuese verano la trama no tendría sentido

Dicen que "no hay mejor estación en el año como el verano" porque algo grande cambiará vuestras vidas o acabará con ellas, nunca se sabe, como he dicho, en Hollywood el verano da para todo. Si hablamos de temas fatalistas en verano que nadie olvide Tiburón (Steven Spielberg, 1975): Brody (Roy Scheider) encuentra los restos mutilados de una chica, le sugiere al alcalde cerrar la playa pero este se niega ¿por qué? el verano está próximo y sin las ganancias  que se generan en esta época, los ingresos de la localidad descienden. Si fuese otra época del año y clausuran la playa entonces habríamos tenido unos cuantos muertos menos... y menos minutos de trama también. Otro caso es el de Nueva York en 1977, cuando ocurre un apagón debido a la ola de calor que afectaba la ciudad; todo queda servido en bandeja de plata para que un asesino en serie salga al acecho o eso nos cuenta el bodrio de 'El Hijo de Sam'(Spike Lee, 1999). 

Adventureland (Greg Mottola. 2009).
Claro que no todo es malo, de hecho Hollywood ha intentado glorificar el verano desde tiempos remotos, parece que en esta estación ocurre todo lo bueno. Si no hubiese sido verano, William Miller (Patrick Fugit) no habría estado libre para emprender el viaje de su vida entre groupies y mucho rock en Casi Famosos (Cameron Crowe, 2000); porque en Hollywood tampoco parece que les apetezca demasiado descansar en estos meses, mejor es aprovechar el viaje a una casa de playa y 'accidentalmente' conseguir trabajo en un parque acuático porque no sólo sirve para hacer dinero extra, también se puede pensar sobre la vida y aprender a cómo ser menos asocial tal como lo hace Duncan (Liam James) en El Camino de Vuelta (Nat Faxon y Jim Rash, 2013); y si se tiene un poco más de suerte, entre tanto trabajo hay tiempo para enamorarse como lo hacen James Brennan (Jesse Eisenberg) y Emily "Em" Lewin (Kristen Stewart) en Adventureland (Greg Mottola. 2009).

Querido John (Lasse Hallström, 2010), El Diario de Noah (Nick Cassavetes, 2004), Dirty Dancing (Emile Ardolino, 1987)
El amor, ese sí que abunda en Hollywood y se multiplica con el verano. Las películas basadas en novelas de Nicholas Sparks lo certifican: La chica viaja en sus vacaciones a algún pueblo costero, conoce al chico guapo, se enamoran y viven una épica historia de amor; esa formula la hemos visto en La Última Canción (Julie Anne Robinson. 2010), Querido John (Lasse Hallström, 2010) y el Diario de Noah (Nick Cassavetes, 2004). Pero, antes estuvo la historia de amor de verano por excelencia: Dirty Dancing (Emile Ardolino, 1987), ¿qué hubiese pasado si en aquel verano de los años 60s, Baby (Jennifer Grey) y su familia no viajan al campamento vacacional? No conoce a Johnny Castle (Patrick Swayze) ¡y no tendríamos ese memorable número musical final!

Y si hablamos de campamentos, estos son propicios no solo para conocer el amor sino alguna hermana gemela perdida como Annie James y Hallie Parker (Lindsay Lohan) en Tú a Londres y yo a California (Nancy Meyers, 1998).

Si la vida nos niega un verano de esos que vemos en pantalla grande ¡pues no importa! siempre tendremos el cine, con sus películas ya  sean malas, buenas, memorables, están para vivir a través de ellas las historias más emocionantes. 

Porque veranos podemos vivir muchos, pero ¿quien no ha querido tener uno al mejor estilo 'made in Hollywood?

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